The Avengers

“And there came a day, a day unlike any other, when Earth’s mightiest heroes found themselves united against a common threat. On that day, the Avengers were born — to fight the foes no single super hero could withstand!”

Aún y cuando este lema se encuentre ausente, el mensaje queda implícito y grabado en la memoria del aficionado al séptimo arte al contemplar a la que, por mucho, es la mejor película de superhéroes jamás hecha.

Y es que The Avengers no solamente es la consolidación de casi más de una década de esfuerzos esparcidos y retazos de calidad cinematográfica e histriónica hechos por Marvel Studios (antes Marvel Films), sino que sin duda es el preámbulo a un nuevo hito para los comics mainstream como un producto multimedia que toma por fin un lugar de privilegio en la conciencia del público consumidor.

The Avengers triunfa porque su libreto cinematográfico demuestra una gran valentía al respetar la fórmula que ha hecho a esta franquicia un éxito rotundo: éste es un universo compartido, una gran historia que continúa y de la cual no es necesaria una sobreexposición, un contexto. The Avengers deja de lado esto para mostrarnos en sus primeros minutos y de forma impactante y sin preámbulos a esa amenaza que un héroe solitario no puede encarar.

En este aspecto los riesgos y peligros son expuestos vertiginosamente. La película muestra una confianza, un atrevimiento en suponer (y acertar) que la audiencia ya conoce todo detalle de esta saga y que la hace suya y a sus personajes insignia.

Joss Whedon (Buffy the Vampire Slayer, Angel, Astonishing X-Men, Serenity, Firefly, Toy Story) complementa de manera sobresaliente el excelentemente estructurado libreto de Zak Penn, añadiendo efectivos punchlines que desbordan la algarabía del espectador. Ese dominio sutil pero que es contundente de la comedia entre los protagonistas la convierte en una gran experiencia.

De igual forma, The Avengers se ve beneficiada por el proceso de maduración que la tecnología IMAX y los efectos digitales en 3D han alcanzado. Cada estruendo, cada paso de estos iconos que saltan de la página impresa a la pantalla grande toman una dimensión espectacular en increíbles y mesmerizantes batallas que rompen las barreras del sentido de asombro.

Inspirada fuertemente en el update ultramoderno que fue el comic de The Ultimates (adaptación libre de los mitos de los Vengadores creada por Mark Millar y Bryan Hitch en el 2001), así como sutiles esbozos de su secuela, The Ultimates 2, esta cinta aprovecha a la perfección este outlook contemporáneo para presentar este relato con elegancia. De igual forma y afortunadamente, este film rescata ante todo los parámetros del comic original (publicado desde 1963 y hasta la fecha) y las interacciones que consolidaron a estos personajes de ficción como los consentidos de generaciones enteras de lectores y aficionados al arte secuencial.

Captain America. Thor. Iron Man. Este tridente de leyenda y sus formas de ver el mundo son plasmados convincentemente. Chris Evans destila el enfoque preocupado y pesimista de un hombre de valores que no entiende cómo el mundo perdió la brújula, instigando una introspección necesaria en la persona de Tony Stark, donde Robert Downey, Jr. esgrime un entendimiento total de un hombre que se esconde bajo una máscara de majestuosidad con tal de evadir la alternativa de ser un bienhechor. Chris Hemsworth continúa con esa confianza absoluta para regalarnos a un Thor que ha aprendido la importancia de luchar por sus convicciones, la familia y encontrar un propósito de vida.

Estos performances son aderezados por una soberbia interpretación de Mark Ruffalo como Hulk, y que supera con creces las ofrendas previas por Eric Bana y Edward Norton. Ruffalo es capaz de mostrar capas histriónicas en constante cambio, en colisión, de la timidez a la ironía a la bondad a la furia y al humor sin esfuerzo alguno. Scarlett Johansson imprime un temor profundo en Natasha Romanov, llena de secretos a medio decir que la obligan a tomar un rumbo directo hacia la redención personal, opción que para ella sigue siendo alcanzable y razón suficiente para vencer a sus demonios. Jeremy Renner nos lleva a una zona de confort como espectadores, haciendo que los desplantes de Hawkeye sean completamente aceptados, en una suspensión de la incredulidad que nos seduce y establece el por qué Clint Barton es el Avenger preferido de todos.

Y es que otro atributo que impresiona de The Avengers es su fluido screentime, donde cada protagonista recibe en forma equitativa la atención de la cámara y el argumento, siendo Clark Gregg (como el Agente Phil Coulson), Cobbie Smulders (como María Hill) y Samuel L. Jackson (como Nick Fury) quienes detonan la acción para que estos héroes salgan a la palestra. Smulders entrega la disciplina característica de Hill, mientras que Jackson es diestro para deleitarnos con el tradicional arte del subterfugio, manipulación y actitud atrevida y comprometida de Fury. Gregg destaca sobre ellos al ser el marco de referencia sobre el cual nosotros como público atestiguamos los eventos que dan forma a este universo fílmico de Marvel.

Pero es Tom Hiddleston quien se lleva las palmas como el adversario de los Vengadores, Loki, encarnando toda la malicia e ingenio bizantino del dios nórdico para hacer que los héroes caigan en una carambola de dificultades al por mayor. Su carisma es notable y reafirma su gran potencial actoral en el celuloide contemporáneo.

Y es que esta película destila un rico balance de caracterizaciones, emulando el ritmo y tono de las producciones que le preceden (Iron Man, The Incredible Hulk, Iron Man 2, Thor, Captain America: The First Avenger). Whedon es muy inteligente al plantear esto, llevando a su audiencia a una zona de seguridad – acostumbrada a estos personajes y a su comportamiento específico – pero amplificando sobremanera los índices de acción.

La cinta culmina con un cliffhanger sensacional, donde los futuros enemigos son de gran envergadura y acordes a los retos para los que estos protagónicos están preparados. Esto sin duda deja la mesa puesta para lo que Marvel Studios ha acuñado como la “Segunda Fase” de su ya exitoso proceso cinematográfico. El film agrega un grado de responsabilidad mayúsculo, demandando un salto de calidad para sus proyectos posteriores, lo que crea una expectativa muy seria en sus seguidores leales y casuales.

The Avengers es una cinta excepcional, con una consistencia narrativa fuera de serie que preserva y enaltece los antecedentes que le dan origen, así como respeta la mística de cada uno de sus personajes, contando con un timing preciso para los instantes de humor y acción de alto octanaje, cualidades que la posicionan como el blockbuster definitivo dentro del superhero film.

Captain America: The First Avenger

Captain America: The First Avenger es la quinta entrega cinematográfica de Marvel Studios (Iron Man, The Incredible Hulk, Iron Man 2 y Thor), las cuales han cumplido con creces su misión de convertir a los personajes de su línea de comics en verdaderas franquicias insignia, capaces de levantar ámpula y admiración entre los fans y ser recipientes de la atención de un público masivo, cuya curiosidad se convierte paulatinamente en seria expectación.

Estuve muy entusiasmado con la idea de que Joe Johnston fuese el director de la película de Captain America, dada su experiencia previa con un period/adventure film como The Rocketeer (1991), el cual también es una adaptación de un comic a la pantalla grande (y personalmente una de las mejores hechas).

Esto nos ofrece una perspectiva de que el realizador tiene un entendimiento para maximizar el potencial del material fuente y mostrar en pantalla lo que funciona y lo que puede hacerlo atractivo para el público en general.

Cabe también resaltar el esfuerzo que los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely hicieron para presentar la leyenda de Captain America a la audiencia del siglo XXI. La construcción de situaciones provenientes de su libreto es la idónea para aterrizar un concepto que en principio pareciera ser 100% patriótico (y vaya que hay instantes en que lo es, sin sentirse cheesy ó corny) y esperar a los momentos correctos en la cinta para imbuirla del drama interno al “estilo Marvel”.

Su dedicatoria al trabajo de Ed Brubaker y Steve Epting en los créditos finales es absolutamente merecida. El film hace evidente la inspiración literaria y espiritual hacia la actual serie de comics del Capitán América (publicada desde el año 2005 a la fecha), y que gracias a ella Marvel despertó un gran interés para llevar a este personaje a ser una franquicia fílmica con factible éxito taquillero.

Sin embargo, todo este cuidado y devoción podría haber sido llevado al desastre. Afortunadamente, Captain America: The First Avenger cuenta con un ensamble de actores cuyo trabajo no solamente es eficiente, sino que destila esbozos de brillantez que nos saca una sonrisa, una carcajada, una expresión de empatía y un sentido de asombro durante sus poco más de dos horas de duración.

Chris Evans posee el aplomo y el temple para ofrecernos al Steve Rogers que nos ha deleitado en la página impresa en este último lustro: con el peso del mundo sobre sus hombros, con la mirada distante, consciente de los sacrificios que un alma caritativa debe hacer para imponer el sentido de la justicia. Evans cautiva al público con un performance cuyo común denominador es la convicción, símbolo inequívoco que distingue a este personaje, lejos de ser un ‘Boy Scout’, sino un emblema de inspiración.

Sebastian Stan cumple en su breve papel como Bucky, y cuyo trágico destino es plasmado por el equipo creativo de una forma convincente, respetando la esencia del cánon escrito por Stan Lee y Jack Kirby y acrecentando la promesa de situaciones inusuales futuras, tal y como lo hizo Ed Brubaker en su momento.

La imagen de Hayley Atwell es proyectada en pantalla de una forma sublime, no solamente llenando el molde de la mujer idealizada de la época, sino que su personaje de Peggy Carter es puesto bajo un enfoque que convence y a la vez rinde homenaje a la caracterización que Brubaker le ha dado a Sharon Carter (su sobrina en los comics), haciendo que ambos personajes — siendo intereses románticos de Steve Rogers en diferentes épocas — compartan rasgos similares de mujeres sumamente inteligentes y de armas tomar.

El mercurial Hugo Weaving interpreta al villano Red Skull, y plasma en el celuloide su gran talento para encarnar personalidades completamente impredecibles, llenas de un atractivo y con el toque exacto que nos hace pedir más.

El film ofrece atisbos histriónicos triunfantes para los clásicos personajes de los “Howling Commandos”, que cobran vida para ofrecer segmentos de acción estilizada, camaradería y humor con gran precisión.

Johnston no esconde la reverencia al clásico film de aventura de Raiders of the Lost Ark (Steven Spielberg, 1981), donde en dos clarísimos instantes se marcan como preámbulos al satisfactorio desenlace de la cinta, donde queda justificado de forma contundente el por qué nuestro héroe posee un grado de madurez inusitado durante todo el film, acostumbrado a mirar a la vida desde el peor ángulo, colocando una voluntad de hierro para intentar salir adelante.

De igual forma que con otros films de Marvel Studios, se introduce la promesa de ver a sus personajes de ficción compartiendo el escenario. Johnston ofrece en su narrativa la oportunidad de conocer a Steve Rogers y ampliar la expectativa de su encuentro con los demás miembros del catálogo fílmico de Marvel. Este sentimiento es palpable al ser testigos del primer teaser trailer de “The Avengers” (a estrenarse en mayo del 2012) tras los créditos finales.

Captain America: The First Avenger es una mezcla mesurada de Acción, Romance y Ciencia Ficción. Y es en dicha mesura que saca el máximo provecho de las fórmulas establecidas, dosificando el entretenimiento sin sobrepasar los umbrales de resistencia del público mainstream y de sus seguidores incondicionales.

Un comic on film altamente recomendable.

Thor

Tras un excelente debut como realizador en 1991 (Dead Again, una aventura noir que juega con el concepto de la reencarnación), Kenneth Branagh ha posicionado su carrera de una manera peculiar, con intervalos donde explora sus raíces teatrales, así como ideas familiares para el mercado mainstream.

Thor es un híbrido extraño entre estos mundos a los cuales Branagh abraza por igual. Una historia dentro del (actualmente redituable) género de superhéroes que logra mostrar esbozos de dramaturgia que son en términos generales atractivos y digeribles para la audiencia.

Thor es la cuarta entrega cinematográfica producida por Marvel Studios (Iron Man, The Incredible Hulk y Iron Man 2), que paulatinamente ha logrado replicar la tónica holística de su división de comics, creando un universo compartido donde las interacciones, guiños y arcos narrativos en cada film se han concentrado tanto de manera sutil como evidente.

No cabe duda que parte del éxito de Thor recae en el respeto que el equipo de guionistas le da a la historia entregada por Mark Protosevich, dándole un peso específico al proceso de world building para la mítica ciudad de Asgard. Parte de este triunfo se da gracias a la colaboración de J. Michael Straczynski, quien durante un lapso de dos años (2007 al 2009) fue el encargado de llevar la crónica en comic de las aventuras de este Dios Nórdico. Con este expertise en lo que funciona y no dentro de la edición impresa, el libreto cinematográfico logra conjuntar situaciones de acción y dramatismo que sin duda hicieron click con la audiencia.

Con este issue resuelto, el director impone un sumo cuidado por crear a una Asgard llena de contrastes necesarios, desde la multicolor ciudad mitológica y la contraparte gélida de las regiones de Jotunheim. Al igual que en The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (Peter Jackson, 2001), Branagh emplea la sobreexposición en las secuencias iniciales, para después descartarla por completo y enfocarse en el conflicto eterno entre Thor y su medio hermano Loki, quienes buscan la aprobación de la gente a su alrededor, en especial la de su padre, Odín.

Chris Hemsworth y Tom Hiddleston son adiciones bienvenidas al catálogo mainstream de actores, cuya facilidad para cargar con estos roles es inusitada: Hemsworth plasma carisma, rebeldía y orgullo en su faceta como Thor, con una confianza sorprendente. Hiddleston domina el escenario y es el conducto a través del cual el realizador destila un poco de sus obsesiones teatrales y el drama literario en film. Hiddleston y Anthony Hopkins (quien encarna a Odín), brindan un breve pasaje al estilo Shakesperiano que es bienvenido y que deja la mesa puesta al conflicto inminente en la segunda mitad de la cinta.

Sin embargo, a diferencia de Iron Man (Jon Favreau, 2008), Thor muestra flaqueza al delinear las interacciones en el mundo de los mortales. Nathalie Portman y Stellan Skarsgård (¡Stellan Skarsgård!) son desaprovechados completamente, convirtiéndose en arquetipos al servicio del plot. El papel de Kat Dennings resulta de igual forma innecesario. El director se ve envuelto en la encrucijada de saciar las expectativas de la fórmula del cine de género, sacrificando la posibilidad de encontrar otras situaciones similares a las del triángulo familiar de Thor-Loki-Odin.

Esto no hace a Thor una mala película, claro está, sino un esfuerzo aceptable, regular, entretenido, donde Branagh muestra una gran responsabilidad al lograr darle al público diversos matices que apetecen a todos, incluyendo un extenso recorrido por este nuevo e inexplorado Universo Fílmico de Marvel, con personajes y referencias que se han venido acumulando a lo largo de los últimos años.

El cineasta sabe que parte del éxito comercial de Thor fue el complacer a los fanboys, quienes imaginan ya a Jeremy Renner como Hawkeye (en un cameo que comienza a cimentar expectativas serias), y a Thor uniéndose a los demás héroes de Marvel contra las posibles maquinaciones de Loki (en una secuencia final filmada por Joss Whedon, futuro director de The Avengers en 2012).

Thor es una cinta cuyos parámetros para ser evaluada resultan ser múltiples, pero eso no la lleva a ser un salto de fe o un longshot. Es un film que bajo las manos sabias de su director logra potenciar las virtudes que la pueden convertir en una atractiva franquicia, y minimiza por completo el impacto negativo de sus visibles áreas de oportunidad.

Iron Man 2

Iron Man 2 es la tercera producción cinematográfica de Marvel Studios, la cual continúa con su esfuerzo de amasar franquicias basadas en comics de gran éxito comercial.

La cinta original, tras ser el sleeper hit del año 2008 y ser considerada en las listas del Top Ten en múltiples publicaciones internacionales y en las preferencias de los críticos especializados, provoca que su secuela cargue con expectativas muy fuertes.

Desafortunadamente, la cinta arroja resultados contrastantes: Robert Downey, Jr. sigue siendo amo y señor del escenario, con un balance perfecto en la tragicomedia, cayendo en una espiral depresiva y esbozos muy claros de egocentrismo y abuso del alcohol.

Es interesante comparar la epifanía sufrida por Tony Stark en la cinta original y ver lo que sucede en su segunda parte: el estar cerca del umbral de la muerte le da un nuevo propósito y una esperanza de renovación, pero eso esconde los riesgos de una actitud nociva que se niega a abrazar otros valores fundamentales, necesarios para ser considerado un verdadero héroe. Downey lleva a Stark a un proceso introspectivo, donde su personaje se da cuenta que el heroísmo y la amistad es algo que toda su riqueza no puede comprar.

Por otro lado, el libreto intenta darle — sin éxito — un protagonismo a personajes como War Machine (Don Cheadle) y Nick Fury (Samuel L. Jackson) dentro del film, en lugar de ser conductos para hacer progresar el character arc de Tony.

La escena más interesante durante este lapso es donde Stark, Fury y Black Widow conversan en un diner, la cual captura la atmósfera de los comics, donde lo mundano y lo supernatural hayan un punto de encuentro llamativo, curioso y fascinante.

De igual forma, Black Widow resulta ser únicamente eye-candy para la audiencia. El guión deja el rol de Natasha Romanov (Scarlett Johansson) completamente vacío, sin la característica fuerza, decisión y actitud mortífera que su alter ego demuestra en las publicaciones originales.

A su vez, el único que resulta mejor librado en todo el film es Justin Hammer, interpretado por Sam Rockwell. Siendo uno de mis actores predilectos, su personaje es llevado inteligentemente a una posición de antagonismo cuyos desplantes over-the-top rivalizan perfectamente con la magnética personalidad de Tony Stark. Lamentamos mucho que su screen time sea limitado, y que no se haya explotado al máximo su rol como benefactor de criminales y hostil competidor industrial.

Mickey Rourke, quien interpreta al villano Ivan Vanko, trae a la mesa un arquetipo narrativo que refuerza los traumas del protagonista: el legado armamentista de Stark Industries y sus consecuencias. Sin embargo, no soy partidario de las excentricidades que el libreto le otorga al personaje (en dicho sentido, lo debilita sobremanera en lugar de convertirlo en una amenaza).

Afortunadamente para el film, su fastuoso diseño de producción es capturado de forma brillante en pantalla — donde Matthew Libatique sigue siendo uno de los mejores cinematógrafos contemporáneos — sus espectaculares escenas de acción y la química entre Stark y Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) son cualidades que en esta secuela se mantienen y que ayudan a balancear la historia para evitar que caiga en la mediocridad, incluyendo una sensacional secuencia tras los créditos finales que aumenta la expectativa de los fans y audiencias casuales por el debut cinematográfico de uno de los personajes más longevos y populares dentro de la historia editorial de Marvel Comics.

Iron Man 2 presenta una gran cantidad de áreas de oportunidad que llevan a un detrimento en la calidad de este film, donde su protagonista cumple a carta cabal para salvarla del desastre, aminorando estas debilidades y llevar al público por un desarrollo dramático en el cual su personaje evoluciona, aprende y continúa cautivándonos.

The Match Factory Girl

La filmografía del realizador finlandés Aki Kaurismäki se caracteriza por un apego al minimalismo en tempos sumamente pausados, en escenarios donde se retrata a la vida misma, con una fascinación por lo mundano que se ve envuelto en situaciones offbeat plagadas de humor negro, ironía, dramatismo y desolación.

The Match Factory Girl (Tulitikkutehtaan tyttö en su idioma original) describe perfectamente este approach, y que junto a las películas Shadows in Paradise (Varjoja paratiisissa, 1986) y Ariel (1988) constituyen lo que se conoce como la “Trilogía del Proletariado”.

Esta cinta es de manufactura única, con un escaparate urbano ausente de todo glamour, donde sus escasos diálogos someten a la audiencia a prestar su atención por completo en el lenguaje corporal de la epónima protagonista que da nombre a la película (e interpretado de forma brillante por Kati Outinen), en el que cada gesto, cada mirada y cada tarea monótona que desempeña en su trabajo van creando situaciones que llegan a un punto de ebullición, donde los conflictos familiares, el trabajo mal pagado y la soledad no le son obstáculo para intentar darle color a su vida, pagando caro las consecuencias.

Kaurismäki demuestra su pleno control sobre la puesta en escena y la ambientación, donde su interés radica no solamente en plasmar a la realidad, sino sus reacciones ante eventos fuera de su control, además de dotar a la cinta de una peculiar banda sonora de rock (una obsesión recurrente para él) y la cual integra un interesante contraste a las emociones y psicología de sus personajes.

Outinen ofrece un performance destacadísimo, en el que de formas sutiles va trastornando su existencia cuando una y otra vez el universo conspira contra su felicidad, llevándola a maquinar una jocosa venganza contra quienes se entrometen en esa búsqueda optimista por salir adelante.

Con actuaciones como esta, Outinen se consolidaría como la primera actriz en la carrera de Kaurismäki, participando en la mayoría de su oeuvre en los 80s, 90s, 2000s y 2010s.

Una curiosidad que vale la pena apreciar.

The Incredible Hulk

Tras el cúmulo de opiniones encontradas por la controversial cinta de Hulk creada por Ang Lee en el año 2003, diversos cambios se suscitan en el último lustro respecto a las adaptaciones de comics a la pantalla grande.

Uno de ellos, y quizás el más trascendental, es la formación de Marvel Studios, quien ejerce un mayor control sobre su propiedad intelectual (a comparación de su etapa previa como Marvel Films).

Marvel emprende un ambicioso proyecto fílmico sin precedentes, al construir un universo de ficción que pretende emular la interacción tradicional de su línea de comics. Guiños, caracterizaciones y elementos visuales son compartidos para construir un crescendo narrativo en diferentes cintas, dando como resultado una experiencia que para los fanáticos del arte secuencial y el cinéfilo tradicional le resulta particularmente curioso, atractivo y trepidante.

Para el caso de The Incredible Hulk, se emprende una labor de rescate, desechando completamente el material previo y haciendo hincapié en retomar aquello que hizo que el personaje quedase grabado en la conciencia colectiva del público mainstream, es decir, la memorable serie de televisión de 1978 a 1982.

Con aspectos audiovisuales firmemente posicionados dentro de la cinta — desde el trágico experimento con Rayos Gamma que transforma a Bruce Banner en el monstruoso gigante esmeralda, pasando por la naturaleza nómada del personaje y la presencia del inolvidable Lou Ferrigno en el cast — The Incredible Hulk convence y otorga un nuevo punto de entrada a la audiencia.

Aún así, la cinta sigue siendo una experiencia incompleta. Zak Penn, cuyo track record nos habla de múltiples libretos reescritos por terceros, entrega quizás su mejor trabajo como guionista, aunque de nueva cuenta su obra es objeto de edición, esta vez por el propio protagonista Edward Norton (a quien le fue negado el crédito por el Gremio de Guionistas de América).

Esta compleja colaboración nos da como resultado brillantes momentos de intriga y volatilidad, pero flojos instantes dramáticos, en los cuales Norton y Liv Tyler (quien interpreta a Betty Ross, interés romántico de Banner) no logran embonar y ser un balance adecuado para las secuencias de tensión y ultraviolencia complementarias, las cuales son presentadas de forma atractiva por el director Louis Leterrier — con experiencia en action films como The Transporter, Transporter 2 y Unleashed.

De igual forma, la participación del reparto de apoyo no destaca en el film: William Hurt (como el General Ross) y Ty Burrell (como Leonard Samson) no tienen el punch necesario para hacer vibrar con tintes dramáticos al conflicto entre ellos y Bruce Banner. Tim Roth parece actuar bajo freno de mano, sin darle rienda suelta a los destellos de ambición y thrill-seeking que su personaje de Emil Blonsky/The Abomination esboza durante el film.

La película en su tercer acto falla sobremanera al develar sin impacto alguno el misterio del benefactor de Banner, Mr. Blue (un guiño a la saga de comics escrita por Bruce Jones dentro de la serie de Hulk), cuya injerencia en la trama termina por diluirse.

Esto nos deja solamente con vistosas y espectaculares batallas en las que Hulk nos brinda los momentos que la anterior cinta nos quedó a deber. Los preámbulos de nerviosismo previos a la transformación de Banner en el Hombre Verde son el punto fuerte dentro del film, donde Norton ofrece desplantes sólidos que nos recuerda a sus papeles de personajes desequilibrados e impredecibles como en Primal Fear, American History X y Fight Club. Este alto grado de identificación entre Banner/Hulk y el público es lo que lleva a buen puerto a la cinta.

En su desenlace, la película teje diversos story threads que crean una expectativa muy interesante para los fans incondicionales de estos personajes. Además de diversas referencias tangenciales a elementos visuales y conceptuales propios de los comics de los Hombres X y Captain America, la cinta trae un epílogo que crea un puente narrativo con Iron Man — la exitosa primer cinta producida por Marvel en el mismo año 2008 — y el cual nos ofrece un atisbo más hacia el inevitable estreno de la película de The Avengers, en el año 2012.

The Incredible Hulk confirma la promesa de Marvel Studios como una empresa comprometida en crear un universo de entretenimiento fílmico rentable. En el caso de este film, se tiene un experimento enfocado en complacer a las audiencias casuales en base a proponer un paseo nostálgico, lleno de emociones fuertes, y reconquistar a los fans de los comics, tomando los elementos narrativos tradicionales para dejarlos en una zona de confort que minimice cualquier indicio de protesta.

Iron Man

Development Hell.

Ese ha sido el destino de múltiples adaptaciones de comics a la pantalla grande, siendo los personajes de Marvel Comics de los que más han sufrido el castigo del limbo cinematográfico. El caso más bizarro que conozco es el del afamado guionista y director Alex Cox quien intentó hacer Dr. Strange (!).

Iron Man debe gran parte esta luz verde a proyectos como Blade (Stephen Norrington, 1998) y Spider-Man (Sam Raimi, 2002), los cuales le han dado una descarga de electroshock a la débil idea de que los comics podrían ser alimento conceptual para concebir grandes superproducciones.

Iron Man se posiciona en un lugar de privilegio debido también al proceso de cambio que en Marvel Comics se suscita desde el año 2001 al 2004, donde se decide reunir a un gran cúmulo de escritores con un enfoque moderno para contar historias de gran carga emocional y fuertes dosis de acción inteligente, con el objetivo de hacer atractiva nuevamente a la propiedad intelectual de esta longeva casa editora.

Brian Michael Bendis llena a Daredevil de atmósferas Neo-Noir, Grant Morrison construye un escenario Social Sci-Fi para X-Men, Bruce Jones entrega un feeling de intriga conspiratoria en The Incredible Hulk, J. Michael Straczynski crea las historias más controversiales para Amazing Spider-Man, y Mark Millar aterriza el concepto de superhumanos en la sociedad de consumo contemporánea con The Ultimates.

Tras salir de la bancarrota, Marvel (en todas sus divisiones) se propone a continuar con un camino de éxitos. La mejor decisión jamás tomada fue dar libertad creativa para devolverle a su catálogo de personajes más emblemáticos la relevancia que Stan Lee y Jack Kirby le dieron originalmente a sus creaciones como parte de un comentario social.

Es así como a partir del 2004, Bendis crea una polémica mega franquicia con Avengers, Ed Brubaker combina lo mejor del techno-thriller y los superhéroes en Captain America y Warren Ellis reinventa el futuro y el conflicto armamentista en Invincible Iron Man.

Con todo este acervo revitalizado, se crea Marvel Studios como un venture enfocado a producir largometrajes basados en sus publicaciones, con control total y en busca de apoyo en la distribución con los más importantes estudios en Hollywood. Con una base literaria sólida, Iron Man es el proyecto inicial en tomar forma.

El primer acierto y lo que realmente hace que Iron Man sea un comic on film sumamente exitoso es que su director Jon Favreau se asesora de Millar y Bendis para pulir el libreto cinematográfico (tanto así que su sensacional epílogo tras los créditos finales fue co-escrito por Bendis).

Teniendo el conocimiento de lo que funciona y no para su cinta, Favreau se inspira en el ultramoderno enfoque de Warren Ellis y sitúa a su cinta en el mundo actual, incierto, lleno de intereses y donde la economía más prolífica es una basada en la guerra. Con esto en mente, construye al personaje de Tony Stark bajo una filosofía nociva donde la banalidad y la deliberada indiferencia sobre las consecuencias de sus actos dominan su existencia.

Y quien más para encarnar a un personaje de cualidades despreciables y que aspira a la redención sino Robert Downey, Jr., cuyo trajinar por el cine lo ha llevado de extremos oscuros a momentos de brillantez. Downey ES Tony Stark y su presencia cautiva desde el primer instante, con un balance entre el deadpan comedy, la ironía, la superficialidad, suaveness, melancolía, obstinación, carisma, fragilidad, firmeza y heroísmo. En esta cinta, vemos paulatinamente una epifanía que convierte a Stark de un oportunista descorazonado a un hombre que ha abierto los ojos a un mundo que sufre y le reprocha su desdén.

La química del romance inocente con su co-protagonista Gwyneth Paltrow es genial, dotando de momentos que redondean este character arc de autodescubrimiento sobre los esfuerzos que implican el cambiar una actitud negativa y abrazar sentimientos universales.

Los momentos de acción y comedia cuando Tony porta la armadura de Iron Man son sensacionales, recreando la estética visual de los comics publicados en tiempo reciente — en donde el ilustrador Adi Granov es el responsable al crear el diseño perfecto para el traje del Hombre de Hierro.

La cinta adapta el origen del personaje a la perfección, haciendo que el personaje sea el que sufra todo el impacto, y experimentar en ello una verdadera evolución, que lo pone en conflicto con los intereses del Complejo Militar-Industrial. En este aspecto la adición de Jeff Bridges como Obadiah Stane al reparto es perfecta, con una imagen imponente sobre la cual Tony debe quitarse su gran peso y herencia de sangre.

La película trae a la mesa elementos que a la larga Marvel Studios impondrá como insignia dentro de sus posteriores producciones, tales como la presencia de la agencia de S.H.I.E.L.D. (donde Clark Gregg será el referente inmediato para la audiencia), así como la anteriormente mencionada secuencia post-créditos que ofrece una promesa que eleva las expectativas de todos los fans.

Iron Man es uno de los comics on film contemporáneos más importantes, que forma parte de un proyecto cinematográfico cuyo alcance es vasto y que deja claro que el arte secuencial puede ser un negocio lucrativo, donde lejos del artificio y los efectos visuales puede crear situaciones dramáticas de interés para un público exigente, emulando a las clásicas aventuras de las publicaciones originales, en las que el “estilo Marvel” (introspectivo, socialmente relevante y humano) es terreno fértil para construir piezas fílmicas fuera de serie.

Sherlock: Temporada Dos

La familia. Este es el tema que permea a lo largo de la Segunda Temporada de la destacadísima serie de televisión británica Sherlock, donde los productores y guionistas Mark Gatiss y Steven Moffat aumentan los índices de calidad en todos los sentidos, asumiendo riesgos y colocando a su reparto de personajes en situaciones repletas de drama interno, finísima comedia, acción de alto octanaje y sorpresas al por mayor.

El equipo creativo no se guarda nada y adapta para las audiencias contemporáneas las historias definitivas del detective literario creado por Sir Arthur Conan Doyle, dándoles un giro conceptual que es perfecto y acorde a las exigencias del público moderno que aprecia el mundo del entretenimiento televisivo.

En ‘A Scandal in Belgravia’ introducen un reto interesante para el protagonista en la persona de Irene Adler, una dominatriz de armas tomar e interpretada por Lara Pulver, quien le inyecta a su alter ego todo el glamour, misticismo, sensualidad y peligro requerido para poner fuera de balance a Sherlock Holmes. Benedict Cumberbatch vuelve a ofrecer un performance increíble en su papel como el detective querido por pocos y odiado por todos, y quien intenta evitar a toda costa salir de su zona de confort bajo una fachada de ‘coolness’, donde la alternativa de un interés romántico esta fuera de toda consideración, aunque lo encuentre deliciosamente tentador. Cumberbatch ofrece otra vez esbozos sutiles y a la vez contundentes de ironía, sarcasmo, emotividad, trauma, sagacidad, confianza, desfachatez, hilaridad, actitud inquisitiva y atención maníaca por los detalles.

Y es en este episodio donde el enfoque familiar se hace presente, ya que Sherlock se verá envuelto en una intriga política donde necesitará el apoyo de quienes lo rodean si desea salir bien librado, además de confrontar a sus lazos de sangre en una forma incómoda, pero inevitable.

Acto seguido, la serie continúa con ‘The Hound of Baskerville’, en donde se presenta en pantalla un fenomenal update a lo que es quizás el relato más famoso de este personaje, con elementos que serán el deleite no solamente de los conspiracy buffs, sino de los que gozan del género del techno thriller y suspenso contemporáneo. Esta vez, Sherlock es puesto contra las cuerdas, donde su lógica y convicción es abatida por algo que no puede explicar, colocándolo en un estado mental que lo pone de igual a igual con su colega y amigo John Watson. Martin Freeman vuelve a dominar a la puesta en escena con una labor histriónica notable, con niveles de comedia fina, sabiduría sutil y llegando a un grado de comodidad fuera de serie con su personaje.

Ambos se convierten en seres vulnerables, donde sus evidentes diferencias forman el complemento necesario e ideal para salir adelante, haciendo que Sherlock deje atrás su evidente desprecio e indiferencia ante quienes lo rodean, seres cuya existencia esta repleta de hastío y trivialidad.

La saga culmina su segundo acto con ‘The Reichenbach Fall’, en donde se introduce de nueva cuenta a la amenaza del llamado “Consultor del Crimen” Jim Moriarty, de una forma poco ortodoxa, divertida y mortal.

La figura de Moriarty rompe el molde tradicional y se plasma adecuadamente para los parámetros sobre los que se mueve la narrativa. Andrew Scott presenta a este villano en altas dosis de megalomanía, sublime egocentrismo y un ingenio bizantino que crean momentos de verdadera calamidad y que nos llevan a ver a todos los episodios transmitidos previamente con nuevos ojos, en una telaraña conspiratoria que se teje alrededor de Sherlock, quien se ve obligado irremediablemente a renunciar a su intelecto y a depender de sus seres cercanos, cerrando por completo la analogía familiar, regalándonos un estupendo e inesperado cliffhanger que nos deja pidiendo mucho más.

La Segunda Temporada de Sherlock se consolida como el show no. 1 dentro del entretenimiento televisivo, producido nuevamente de forma impecable y que sin duda alguna genera expectativas serias en el futuro para todos sus adeptos.

The Cell

Sin lugar a dudas, The Cell es una película adelantada a su época.

Incomprendida y desairada en su momento (probablemente por su críptico título desde de un punto de vista comercial), esta es una joya fílmica de bajo perfil que es presentada de una forma única, donde cada uno de sus componentes colaboran para hacer un producto que conjuga brillantemente una premisa básica de crimen procedural bajo el velo aparente de la ciencia ficción, con destacadísimas actuaciones que le imprimen momentos adecuados de dramatismo y tensión, y una cinematografía y efectos especiales que amplifican el sentido de asombro, presentando viñetas surrealistas en sucesión.

Este es quizás el mejor trabajo de Mark Protosevich como guionista dentro de Hollywood, cuyo libreto es llevado a su máximo potencial por el director adecuado, e indudablemente el único capaz de  llevarlo a puerto seguro.

The Cell marca el debut del realizador Tarsem Singh, un hombre cuya sensibilidad como artista tiene como interés principal el analizar la fuerza de las imágenes en la pantalla y los estados emocionales que despiertan en la mente diversos contrastes que se gestan al retratar tanto el mundo real como el concebido por la imaginación. Tarsem usa al film como un filtro entre la audiencia y el arte pictórico y arquitectónico, y con ello transmitir lo simbólico y el legado cultural multiétnico que la historia antigua de la humanidad le ha heredado al ser humano contemporáneo.

Numerosos tributos aparecen en este film tales como el minimalismo de Terrence Malick, la imaginación sin límites de las cintas Fantastic Planet y 2001: A Space Odyssey, la estética del artista visual y fotógrafo Anton Corbijn, la influencia espiritual del genre-blender de The Matrix y la novela cyberpunk Neuromancer, las atmósferas surgidas en su propio video musical para R.E.M. de Losing my Religion, así como también la esencia de civilizaciones orientales y africanas en vestimentas y arte gráfico, además de la pintura clásica europea con elementos teológicos.

El score musical de Howard Shore contribuye sobremanera para ofrecer pistas de estas contribuciones culturales, con gran mesura y sutileza, sin interrumpir el flujo de la historia con desplantes sonoros que nos distraigan del encanto de las imágenes concebidas por el realizador y por el destacado diseño de producción y vestuario que les dan vida propia.

The Cell narra la misión del agente federal Peter Novak (Vince Vaughn), quien en su intento por averiguar el paradero de una joven recurre a un poco ortodoxo y futurista método de psicología, en la cual la Dra. Catherine Deane (Jennifer López) se sumerge en la mente del secuestrador y asesino serial Carl Stargher (Vincent D’Onofrio) cuyo subconsciente construye un laberinto donde lo sacro y lo profano se mezclan con recuerdos reprimidos que se manifiestan de formas grotescas, provocativas, enigmáticas, majestuosas, lúgubres y espeluznantes.

La cinta demuestra en su estructura narrativa una confluencia entre un guión que se toma su tiempo para balancear secuencias de caracterización con exposición en las dosis correctas, intercalándose sin problemas con la inventiva visual de Tarsem. El montaje es inteligente para mostrar inicialmente el viacrucis de López por intentar convencer al mundo de los méritos de una ciencia empírica, seguida del tormentoso huracán psicológico de D’Onofrio, y de cómo estos rumbos coalescen con la investigación policiaca, demostrando que Vince Vaughn es un efectivo actor dramático, por encima de sus cualidades para la comedia ligera.

D’Onofrio otorga en The Cell un magnífico desplante de emociones en colisión, dejando claro su gran talento. Esta versatilidad entre lo visceral y la fragilidad humana nos otorga indicios de lo que personalmente es su rol histriónico definitivo: el Detective Bobby Goren en la serie de televisión Law & Order: Criminal Intent.

De igual forma, Jennifer López nunca alcanzó alturas como en esta película, donde el director fue sabio al dar sólo atisbos de su exuberante sensualidad y dejar que su personaje — lleno de una inocencia y carga emocional que se debate entre la pesadumbre y el optimismo — nos cautive.

The Cell es una película de gran manufactura, donde el desempeño actoral logra eficiencia y calidad, y que logra contribuir con un peso específico sobre sus atributos más elocuentes, representados en el festín visual que Tarsem impregna tanto en lo mundano como en lo fantástico.

The Infinite Vacation #1

Truth be told, I’m an iPhone zombie.

Dentro de los distractores más importantes dentro de las Tecnologías de Información, el iPhone ocupa el primer lugar. Infinidad de gadgets y su conexión WiFi te permite explorar todos los rincones del mundo en un abrir y cerrar de ojos. Su abuso también conlleva a “desconectarnos” de la vida diaria si no lo tomamos como lo que es realmente: una herramienta útil para facilitar nuestra vida actual.

The Infinite Vacation explora no solamente la búsqueda de identidad y nuestro lugar en el mundo, sino también los riesgos de llevar una existencia en el mundo cibernético, olvidándonos de disfrutar las experiencias que la propia vida nos ofrece.

Esta miniserie de 5 tomos es escrita por Nick Spencer, quien en el período de 2009 al 2011 nos ha dado una gran cantidad de material literario sumamente recomendable (Existence 2.0 /3.0, Forgetless, Shuddertown, Morning Glories y T.H.U.N.D.E.R. Agents), que nos muestra su versatilidad como autor.

Spencer nos entrega en The infinite Vacation una idea que sólo se puede considerar como mind bending: Mark es un hombre cuya existencia vacía lo orilla a buscar desesperadamente un punto de inflexión, de quiebre, que lo lleve a redescubrirse y elegir una vida mejor. Para su fortuna, existe una aplicación para dispositivos móviles la cual te permite visitar miles de universos alternos, y visualizar las vidas de tus “otros yo”. Dicha aplicación te permite entrar en una subasta contra tus contrapartes de otras realidades para poder tener el derecho de experimentar la vida que mejor te plazca y te llene emocionalmente.

Spencer aterriza el dilema de Mark de la forma más inteligente, donde su crisis existencial es genuina y se pueden crear paralelismos entre nosotros mismos, quienes de alguna u otra forma nos hemos sentido con las mismas dudas al entrar paulatinamente en diversas etapas de nuestra vida: la niñez, la pubertad, la adolescencia y la madurez.

Spencer establece transiciones interesantes: tras analizar de forma íntegra el dilema de su protagonista (cuya apariencia visual nos evoca al film Shaun of the Dead y a su personaje homónimo), nos presenta una secuencia donde un agente de ventas nos promociona a la aplicación de The Infinite Vacation, empleando un estilo visual de “foto novela” o “fumetti” (fotografías estáticas con globos de diálogo).

Emulando a la publicidad de grandes corporaciones de telecomunicación y productos de consumo, Spencer nos engancha de forma inmediata, mostrando la descripción técnica, alcances y limitaciones de la aplicación. Es interesante señalar que la primera página de forros de este comic está diseñada como si fuera un screen shot de la tienda electrónica de iTunes Store, mostrando las descripciones, pantallas, calificación y recomendaciones de usuarios de esta extraña y futurista aplicación, siendo todo esto una gran labor por el equipo de diseño de este comic.

Christian Ward es un artista freelance, especializado en ilustraciones comerciales, y su estilo combina de forma efectiva line-art y acuarela. El mundo de The Infinite Vacation es uno alejado del nuestro, donde la modernidad es más avanzada y así lo entiende el artista, al presentarnos secuencias en donde el cuerpo y la mente se transportan hacia el multiverso infinito en instantes, retratando a la propia existencia de Mark de forma surreal. El protagonista siente que está en un sueño del cual desea despertar, esperando algo mejor.

Sin embargo, el equipo creativo es sumamente cuidadoso al mostrarnos el otro lado de la moneda, siendo este el impacto cultural que provoca una innovación de esta envergadura: existen tanto seguidores como detractores de esta tecnología, creando facciones, cultos e ideologías, formando en la narrativa una cautionary tale sobre el grado de penetración de los adelantos tecnológicos y su influencia en el curso de nuestras vidas.

Tras este discurso ideológico, Spencer no deja de concentrarse en el dilema psicológico de Mark, cuya adicción a esta aplicación en su teléfono toma un giro inesperado, con consecuencias graves que atentan contra su propia vida, creando un cliffhanger inteligente y lógico, justo para avanzar la trama al siguiente nivel.

En el camino del protagonista se le presenta una disyuntiva crucial en la persona de una misteriosa mujer, que pondrá las cosas en perspectiva para él. Es interesante como el arte se adecúa a esta situación: Ward empieza a mostrar menos colores y backgrounds a medida que Mark sigue a la enigmática mujer, centrando el arte secuencial en ambos.

The Infinite Vacation se consolida como una sólida e inventiva serie, con una gran caracterización y concentrada en el conflicto interno, y con un esfuerzo artístico sensacional que crea un setting futurista y con atmósferas oníricas, ideales para la exploración del subconsciente humano y su interacción con las bondades y excesos que nos provee la tecnología de punta.

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Enlaces de interés:

Twitter oficial de Nick Spencer

Página oficial de Christian Ward | Twitter oficial